CLEVELAND, OH – Het is vaak gemakkelijker om de afbeeldingen in een groot kunstwerk te waarderen dan om precies te begrijpen hoe ze zijn gemaakt en hoe het gebruik van een bepaald materiaal door de kunstenaar het creatieve proces beïnvloedde.
Dat is een betekenislaag die het Cleveland Museum of Art probeert bloot te leggen in zijn prachtige en gekke nieuwe tentoonstelling van laatmiddeleeuwse sculpturen, uitgehouwen in albast.
Wat gek is, is dat het belangrijkste doel van de tentoonstelling, die tot 23 juli gratis te zien zal zijn, niet is om zich te concentreren op standaard kunsthistorische thema’s zoals religieuze symboliek of stijlevolutie. Deze onderwerpen worden zeker besproken, maar het belangrijkste doel is om te laten zien hoe beeldhouwers van de dertiende tot en met de achttiende eeuw in Duitsland, Frankrijk, Nederland en Spanje albast waardeerden vanwege het potentieel om, in hun juiste handen, de rijke draperingen van ingewikkelde stoffen op te roepen. En de glans van soepel en doorschijnend mensenvlees.
Met andere woorden, albast onderscheidde zich in het overbrengen van spirituele boodschappen in de devotievoorwerpen die centraal stonden in de hedendaagse christelijke eredienst, waarin het lichaam centraal stond.
Albast wordt gewonnen uit de Alpen tot Noord-Spanje en is zachter dan marmer en gemakkelijker te bewerken met verbazingwekkend fijne details. Het vereist ook een hoge coating waardoor het er bijna vloeibaar uitziet.
Maar ook de deugden van albast zijn een belemmering. Albast, een lichte, zacht geaderde vorm van gips, is beter kneedbaar dan marmer, dat wordt gevormd door hitte en druk van kalksteen. Grote blokken albast hebben meer kans dan marmer om te barsten wanneer ze worden gesneden.
Albast is ook gevoeliger voor vocht, waardoor het niet werkt bij invloeden van buitenaf. Deze kwaliteiten verklaren waarom laatmiddeleeuwse kunstenaars albast gebruikten voor beeldjes bedoeld voor gebruik in kerken en andere intieme binnenruimtes. Dit zijn de dingen die tentoongesteld worden.
buitenaardse macht
In de Focus-galerij van het museum zijn 15 werken van bescheiden formaat te zien uit heel Europa van de 13e tot het begin van de 16e eeuw. Ze zijn prachtig gemonteerd in weinig reflecterende kasten onder fel licht tegen diepblauwe muren, waardoor een buitenaardse wonderbaarlijke sfeer ontstaat.
Het middelpunt van het display is “Saint Jerome and the Lion”, gebeeldhouwd door de Duitse beeldhouwer Tilmann Riemenschneider (1460-1531) rond 1495. Een van de grootste meesterwerken van het Cleveland Museum en een van de slechts zeven werken in albast waarvan bekend is dat ze zijn gemaakt door Riemenschneider , het is al tientallen jaren te zien in de galerijen Museum in de Middeleeuwen. Nu heeft het echter een nieuwe context en een nieuwe openbaring.
Hetzelfde geldt voor andere tentoongestelde werken, waaronder de drie verbluffende vroeg 15e-eeuwse “Dingers” of Weeping Mourners van het Cleveland Museum, uit het graf van Filips de Stoute, hertog van Bourgondië.
Gebeeldhouwd door de Franse beeldhouwer Claus de Werff, worden Riemenschneiders “Mourners” en “Jerome” begeleid door werken van geldschieters, waaronder het Metropolitan Museum of Art in New York, het J. Paul Getty Museum in Los Angeles, het Museum of Fine Arts in Boston, en de National Gallery of Art in Washington, DC, en het Louvre in Parijs. Het is een grote afstand.
Meer overtuigende credits zijn onder meer een anoniem portret uit de late vijftiende eeuw, gesneden door een onbekende kunstenaar in Nederland of het Bovenrijndal. In bruikleen van de National Gallery is het werk iets meer dan 45 cm hoog. Maar de piramidale samenstelling, met het verbazingwekkend uitgemergelde dode lichaam van Christus, geplaatst aan de voeten van de Maagd Maria, is een kracht van immense aanwezigheid.
Kunst en wetenschap
Samengesteld door de conservator middeleeuwse kunst van het museum, Gerhard Lutz, die in 2020 bij de staf kwam, gaat de tentoonstelling vergezeld van een catalogus met essays over de artistieke obsessie met albast. In een hoofdstuk wordt bijvoorbeeld uitgelegd hoe musea en conservatiewetenschappers tegenwoordig de steengroeven proberen te lokaliseren waaruit de steen die in bepaalde kunstwerken wordt gebruikt, is verkregen. Het is evenzeer een discussie over geologie als over kunstgeschiedenis.
Maar de boodschap van de show is niet puur wetenschappelijk. Evenmin is het een viering van pure technische bekwaamheid. Het gaat over hoe getalenteerde artiesten het volledige potentieel van geweldig materiaal kunnen benutten om krachtige boodschappen over te brengen.
Door Cleveland Riemenschneider bijvoorbeeld te kaderen als een voorbeeld van wat een meester-beeldhouwer met albast kan doen, pelt de tentoonstelling de ingelegde gewoonten van in de ogen kijken af en brengt ze op één lijn met de subtiliteiten die close-ups belonen van het soort dat alleen persoonlijk gedaan.
Het beeld illustreert de legende van de eerbiedwaardige christelijke geleerde uit de vierde eeuw, gezeten in een gewaad met een kap van een kardinaal en een doorn uit de klauw van een leeuw verwijderend. Op het eerste gezicht lijkt het werk wat archaïsch, aangezien het leeuwtje meer op een slapende hond lijkt dan op een woeste katachtige. Fans van “The Wizard of Oz” zouden kunnen worden vergeven dat ze dachten dat het gezicht van het wezen leek op een miniatuur Bert Lahr als de laffe leeuw in de Hollywood-film uit 1939.
De belangrijke details
De tentoonstelling besteedt echter aandacht aan details zoals het delicate snijwerk van kraaienpootjes rond de ogen van de heilige Hiëronymus en de rimpels op zijn voorhoofd. Jerome, de vierde-eeuwse bijbelvertaler, kloosterleider en kluizenaar, zou het grootste deel van zijn leven in droge omgevingen rond de Middellandse Zee hebben doorgebracht, wat betekent dat rimpels deel uitmaken van zijn verhaal.
Andere details zijn verrassender, bijvoorbeeld de manier waarop de heilige met zijn rechterhand het instrument vasthoudt waarmee hij de doorn van de leeuw verwijdert, waarmee hij moedig de open ruimte overbrugt tussen zijn handpalm en de prachtige plooien van zijn priesterlijk gewaad dat zijn boezem bedekt.
Het lijkt zo moeilijk om het allemaal vorm te geven, maar Riemenschneider, als een Olympische gymnast die vasthoudt aan zijn landing, liet het er gemakkelijk en volkomen natuurlijk uitzien. De tederheid van zijn snijwerk sluit perfect aan bij het beeld van een heilige die medeleven toont met een lijdend dier.
Dezelfde combinatie van materiaal en letter Riemenschneider II heerst in de ouverture, The Virgin of the Annunciation, in bruikleen van het Louvre, eveneens gegraveerd rond 1495. Beiden zijn afkomstig uit een Duits klooster en worden voor het eerst herenigd in Cleveland. tijd te zien.
De engel die het Louvre-beeld vergezelde, is verdwaald, maar Mary brengt schok en verbazing over bij de aankomst van haar goddelijke bezoeker door op haar preekstoel te knielen en haar lichaam een beetje te draaien terwijl ze opkijkt met een buitenaardse blik.
Riemenschneider benadrukte het gevoel van heilige discontinuïteit in Mary’s dagelijkse routine door twee vingers van haar linkerhand op verschillende pagina’s van het boek te laten zien, zogenaamd een bijbelse tekst. Ze bewaart deze plaatsen terwijl ze luistert naar het heilige nieuws van de engel. Het delicate snijwerk van de vingers en het boek, mogelijk gemaakt door de bijzondere eigenschappen van albast, onderstreept Maria’s zorg en vroomheid.
Naast lichaamsbeelden is draperie een grote focus van de show. De tentoonstellingscatalogus beweert dat Riemenschneider sterk geïnspireerd was door de 15e-eeuwse Duitse beeldhouwer en schilder Martin Schongauer, wiens wijd verspreide prenten heilige en seculiere onderwerpen afbeeldden, gedrapeerd in verkreukelde draperieën doordrenkt met een dynamische en nerveuze energie.
Voorbeelden van tentoongestelde afdrukken van Schongauer laten zien hoe Riemenschneider de tweedimensionale uitdrukkingen van de graficus – verkregen door een scherpe graveerder in metalen drukplaten te krassen – vertaalde in verschillende driedimensionale vormen die gebruik maakten van de eigenschappen van albast.
De tentoonstelling van het museum neemt bezoekers mee terug in de geschiedenis van meer dan 500 jaar, naar een plaats en tijd ver van het heden. Maar vandaag kan het niet belangrijker zijn. In een digitaal tijdperk vol schermen en virtuele ervaringen op afstand, laat hij zien hoe begrip van materialen kan leiden tot vitale inzichten in de fundamentele alchemie van kunst: materie met de hand transformeren in een uitdrukking van de ziel.
